Nous voilà enturbannés dans une reproduction fidèle du spectacle de 1974 qui raconte l’histoire d’un type, Rael, dans un trip à New-York. Trip halluciné et subliminal, qui pioche dans les mythes et les représentations les plus loufoques de l’inconscient. Nous voilà à l’heure du surréalisme, des paradis artificiels et du rêve. Tout est d’époque. Nous avons le droit au son, tantôt rock, tantôt planant, jusqu’à l’acmé, le pic de la fin, qui nous enlève dans des limbes oniriques et sucrées, aux lumières fluos, aux costumes très fidèles. C’est une hallu à l’échelle. On ressent cette énergies vintage, le côté gentiment subversif, agréablement suggestif et on garde, imprimé dans les oreilles et les yeux, d’étranges rêves qui nous collent à la peau.

On regrette pourtant une chose : alors qu’ils ont recréé parfaitement l’ambiance de ce concert, le public était assis… Pas très seventies ça… Ni très entraînant.

Justine Lescroart

N.B : L’article est pour l’instant incomplet, il sera vite accompagné de photos, n’hésitez pas à revenir !

Low ne portent pas leur nom pour rien. c’est lent. Lent, mélancolique, savoureusement déprimant et autres synonymes qui ne font que donner une nuance de beauté à ce qui paraît péjoratif. C’est donc tout en downtempo que l’on retrouve le nouvel album de ce trio américain, l’attendu The Invisible Way. Sans pour autant offrir une grande différence avec son prédécesseur C’mon, on accueille un album très élaboré, à la construction réfléchie et aux sonorités envoûtantes.
C’est dans un univers reposant entre country et indie rock qu’évolue une langueur lancinante, à mi-chemin entre les Dandy Warhols et Radiohead. Batterie réservée, piano pesant et arrangements minimalistes, les voix cristallines s’élèvent dans une sorte de prière pour former un ensemble cohérent où aucune erreur ne dépasse. Un album construit d’un trait, sur une même harmonie, proposant une montée en puissance sur  » Just Make it Stop  » . A travers celle-ci, les instruments forment une couche homogène, laissant seulement s’élever une voix sensible dans un hymne soutenu par les choeurs traînants de Mimi Parker. Scandés sur  » So Blue « , les chants finissent par se transformer en une litanie dévastatrice qui s’amoncelle vers un ailleurs mystique.

Une belle église apaisante et fraîche. Telle pourrait être l’image de la musique de Low, lieu de recueillement et de respect, le groupe nous enferme dans un cocon, nous entraîne dans les soirées près du feu du Minnesota. Des rythmiques légères, peut-être un peu prévisibles par moment, mais loin d’être lassantes, une route en Cadillac à travers l’Amérique. Saignants, douloureux par moments, mais le tout en douceur, guidé par des voix et des guitares distordues. Sensibilité exacerbée à travers  » To Our Knees  » qui vient clôturer magnifiquement un opus raffiné au mixage prodigieux. On aurait tort de ne pas se plonger dans une eau merveilleuse, dans un cercle vicieux addictif qui décolle dès le premier morceau et ne s’arrête qu’au dénouement.

Low seront en concert à la maroquinerie le 7 mai prochain. On y sera, et l’on espère vous y voir.

Hera Laskri

On a donc ici un metal rapide et un peu crade, mais ultra efficace : ça envoie du lourd dès le début avec « Beast Shall Rise », ou on découvre les riffs gras et lourds, la maîtrise des solos endiablés, mais surtout : la pure voix thrash old school à la Municipal Waste et à quelques anciens skeuds de Testament… Les chansons ne se différencient pas des masses les unes des autres, mais c’est pas non plus ce qu’on cherche en écoutant ce genre de groupe ! C’est un peu la même chose qu’en live, on nage dans un marécage de pinard et de mandales (Et oui, « French Thrashers Drink Wine » !) La seule chanson dont l’influence échappe un peu au thrash traditionnel est « At Night They Come », qui puise ses riffs dans un univers définitivement plus black metal, ce qui n’est pas pour me déplaire ! On termine avec brio avec « Hommage to Thrash », un titre taillé (comme tous les autres.. !) pour le live et qui déchaînera les foules !

Dead Tree Seeds n’a pas grand-chose à prouver, mais on attend quand même un prochain effort pour bien nous montrer que la relève du thrash français est LA !

Lenny Kaziou

La tentation est grande, pourtant, de coller ses oreilles aux écouteurs, tant les paroles sont difficiles à distinguer. Exit la Lara qui s’appliquait à rendre son message compréhensible, celle de « Tout » ou « La Différence » ; madame Fabian est depuis devenue une véritable chanteuse « made in Russia », avec tout ce que cela implique d’arrangements à cordes grandiloquents et de postures de Castafiore. La galette contient donc une bonne rasade de pistes à la limite de la parodie, au premier rang desquels : « Amourexique » (que même Mylène Farmer n’avait pas osé et dont nous vous invitons à tenter une retranscription des paroles en commentaire), « Danse » (digne d’un lead single d’une comédie musicale TF1/Kamel Ouali) et, surtout, « Un ange est tombé » (il est question de « Facebook » et on sent de le désir d’en faire un single… Atroce).

Il faut cependant reconnaître à cet album une ambiance, ce qui est loin d’être commun dans le paysage de la variété française. Ecoutez « P… De Grand Amour », fermez les yeux… Vous êtes dans la Russie du début du siècle, dans une pièce de théâtre dramatique et froide où les femmes se meurent d’amour dans de grandes robes et les hommes reviennent tous d’une guerre dans un lointain pays. L’instrumental de « Que j’étais belle » vous entraîne quant à lui dans vers les landes celtiques, dans des paysages reculés et hors du temps. C’est lyrique et –très– particulier ; tellement, d’ailleurs, qu’on a tendance à croire en l’implication de la chanteuse et la sincérité du projet. De là à dire que le grand public va adorer, il y a un pas que nous ne franchirons pas, même si la vague Nolwenn Leroy nous invite à la plus grande prudence.

Vous avez vibré toute votre enfance sur la bande-originale du dessin-animé Anastasia ? C’est album peut toucher une corde chez vous. Les autres…

C.Laze

Les mauvaises langues vous diront qu’à un concert de Damien Saez, la bière est omniprésente. C’est vrai, mais c’est justifié. Car que faire, avant le spectacle, lorsqu’il n’y a pas de stand merchandising (et donc pas de tee-shirt estampillé « La carte bleue dans la chatte » pour vous, mesdames) et que chaque bande-annonce sur les écrans se voit accueillir d’un « A mort la publicité » ? On boit, ou on refait le monde, ou les deux. Un passe-temps universel pour le public de Saez, qui se compose essentiellement de jeunes mélancoliques tendance émo et de quadra ironiques que l’on soupçonne de voter Mélenchon. Mais aussi beaucoup (beaucoup) de couples. Le tout dans une ambiance bon enfant, du moins pour l’instant.

20h41. La bête se montre, tout en cheveux et délicieusement engoncée dans un pull noir mettant en valeur ses formes généreuses. « Y’a du sexy sous les pavés ». Mais de son look de pilier de bar, tout comme du fait que les deux premiers titres de sa setlist soient de parfaits inédits, le public n’a que faire. Déjà, le Zénith se hérisse de lueurs de briquets, et l’on entend même quelques spectateurs demander aux autres de se taire. La salle est silencieuse et immobile ; Saez, tout aussi stoïque derrière son pupitre, déclame des vers acappella.  L’instant est absolument magique et le chanteur le sait. Maître de ses effets et de son charisme, compère Damien titille son public et « joue à Saez », se plantant sur le devant de la scène pour allumer un clope d’un geste théâtral ou buvant une grande rasade de bière dès lors qu’il est question de boisson sur « Betty ».

Ce n’est d’ailleurs qu’à partir de cette première bouffée du maître chanteur que le public commencera à fumer, comme s’il avait attendu une quelconque autorisation. C’est que le monsieur tient ses spectateurs, qui lui picorent dans la main et répondent au moindre de ses gestes. Il se disait « soldat » au début des années 2000, le voilà général, gourou. Oui, vraiment, « l’homme descend plutôt du mouton », une phrase que Saez prendra grand plaisir à faire répéter à ses fans, créant ainsi une situation paradoxale qui ne manquera pas de le faire sourire.

Ces petits éclairs de bonne humeur sont jouissifs, mais rares : on est à un concert de Saez, après tout, pas à un spectacle de Gad Elmaleh. La plupart du temps, Saez est un personnage habité lorsqu’il déclame, le poing levé, des textes dont il a complètement remanié la rythmique, voire inquiétant lorsqu’il menace musiciens et spectateurs d’un regard encore plus noir que les yeux de Lula. Cette attitude, ajoutée à des réorchestrations particulièrement accélérées et bruyantes, font gagner son répertoire en force de frappe. En témoignent les versions très rock de « Rochechouart » et « Le Roi », une version des « Pilules » au sommet de sa véhémence et, surtout, une « Miami » dont on avait grandement sous-estimé la violence. Sur scène, les bruitages studio deviennent des cris vomis par un petit jeune à capuche sorti d’on ne sait où, la voix de Saez se fait grondement, le public hurle. On se sent à la fois oppressé et enivrés, comme perdu au beau milieu du d’une manifestation sur le point de dégénérer.

Toutes les chansons ne se parent pas aussi idéalement de grosses guitares et de cris. On regrette ainsi le traitement réservé à « Les Printemps », dont le si joli texte se retrouve submergé et inaudible, mais surtout à « Fils de France » qui, tronquée de toute sa montée en puissance initiale, ressemble fortement à un passage obligé pas forcément chéri par l’artiste. Ces deux exceptions faites, et malgré une setlist dont on n’a pas encore compris la logique, tout n’est que coups d’éclats. De l’intro magistrale à son improvisation rap hilarante sur un sample de Michael Jackson, en passant par cette communion parfaite de 8000 personnes chantant « On n’a pas la thune, mais l’espoir, pas le blé, mais l’envie » accompagnées par une simple guitare… Saez, avec ses cheveux huilés, son jean dégueulasse et son pull qui a sans doute fait toutes les dates, tous ses petits détails dont nous aurions tant voulu nous moquer, redéfinit la notion de respect du public. Pendant trois heures, il donne tout. S’il ne parle pas (il lui faudra au moins cinq chansons pour se rendre compte qu’il n’a pas salué le public), il adapte la setlist et jusqu’au rythme des chansons en fonction des réactions de son auditoire. Les musiciens doivent suivre, ils sont bons, ils le font. Il en résulte pour le public la sensation d’assister à un concert unique, taillé pour lui, de communiquer directement avec cet artiste qui a pourtant fait de l’inaccessibilité son fond de commerce. Ce dernier finit cependant par lâcher prise, en toute fin de concert. A genoux devant ce public qui lui a tant donné, il lance cette phrase si inattendue et donc si sincère : « Merci pour la fidélité… J’avais 16 ans, j’en aurais pas rêvé autant ».

Merci à toi, Saez. Nous étions venus avec un petit rictus moqueur au coin de lèvres et sommes repartis avec beaucoup de respect pour un mec gronchon mais qui n’a pas volé son statut d’artiste. Putain, Damien, tu m’auras plus.

C. Laze

Première bonne surprise, l’album est très bien produit!! (En ré-écoutant « The Final Sign of Evil » il y a quelques semaines, je m’étais posé deux trois questions…) Plus sérieusement, les riffs sonnent bien, et à part un timide « My Final Bullet », il n’y à pas un seul moment qui ne nous rappelle pas qu’on est en pleine guerre et qu’on va déguster jusqu’à la fin.

Ca groove, c’est violent ET ça à des morceaux taillés pour le live ! En effet « S.O.D.O.M, Stigmatized et Invokating the Demons » vont obligatoirement engranger des pits monstrueux et des bastons monumentales, tandis que les plus réservés chanteront en choeur les refrains d’ « Epitome of Torture » et « Shoot Today, Kill Tommorow ».

En résumé pas grand chose de mauvais sur cette galette, qui réjouira les inconditionnels de Sodom ainsi que n’importe quel fan de thrash bourrin et old school!

Lenny Kaziou

Du point de vue totalement délirant, humoristiquement parlant, et histoire de commencer par un mauvais morceau qui a fait rire toute une génération d’internautes (n’oublions pas que ceux qui ont composé ceci se prennent peut-être au sérieux !), voici un florilège d’effets divers et de lumières…époustouflantes.

Mix habile de Pop et d’électro, ce morceau aujourd’hui déjà très connu représente tout à fait ce qui sera probablement une tendance majeure des années à venir (c’est déjà le cas, me rétorquerez-vous, et vous avez raison). Au menu, une sonorité de guitare intemporelle, une mélodie accrocheuse et une production impeccable. En bonus, on a un hommage à Mick Jagger, un des pères du rock. Et tant mieux, car le futur c’est aussi être capable de reconnaître les influences passées et actuelles.

Tellement proche du ridicule mais d’une efficacité redoutable : Verka Serduchka. Ukrainien second gagnant de l’Eurovision en 2007 (derrière une Serbe un peu insipide) revêt un costume qui aurait été celui de ZOLTAN si Dude where is my car ? avait été un film expérimental d’Europe de l’Est. Ceci mis à part, ses chansons atteignent un degrés de BPM addictif et agréablement honteux.

L’avant-garde est un style plus qu’inabordable, parce qu’extrêmement riche. Mélange d’à peu près tout ce qui se fait, le plus souvent de manière assez dérisoire, très second degré, on avait pu découvrir cette décharge de folie pure grâce à des formations qui ont réussi à se démarquer, telles que Diablo swing orchestra (certains hurleront, mettant Fantômas ou autres Opeth, certes beaucoup plus vieux, dans le même panier, alors que ça n’a clairement rien à voir). Et surtout, ce qu’il faut se dire, et la raison pour laquelle, en plus d’être difficile d’écoute, le style ne compte à son actif que peu de groupes, c’est que pour obtenir une telle richesse de composition, il faut avant tout avoir des musiciens qui suivent, autant musicalement qu’en matière d’état d’esprit.

Pari largement réussi, les passages instrumentaux étant tous inspirés, que ce soient dans des ambiances plus « calmes » (The stench from the swelling) ou des moments où la technique doit battre son plein. Les musiciens se sentiront ici visés, et le grand public aura plus de mal, mais la qualité est là, la richesse aussi, sans compter évidemment l’originalité qui prend toute sa place, et tape dans tellement de genres différents que l’on peut se sentir concerné, quel que soit nos affinités particulières (à noter que ça va même jusqu’à une reprise de Starlight des Supermen lovers, c’est pour dire !). A noter que Strobl, bien accompagné par Nicko (non, pas la chanteuse du Velvet Underground, notez le K supplémentaire, s’il vous plait !) et Rorschach (tous les doutes avec le héros de Watchmen sont possibles), est capable d’endosser tellement de personnalités vocales qu’il nous emmène dans un univers différents à chaque morceau, et ça, il y en a très peu qui en sont capables.

Cet album de 6.33 est une claque, que dire de plus ?

Thierry De Pinsun

On avait déjà entendu parler d’eux en tant que première partie de Betraying the Martyrs, From the North est un petit groupe en direct d’Aix qui vient nous servir un screamo acéré à travers leur premier EP : Homeward. Et si l’on s’y attarde, c’est grâce à un mixage soigné et précis servant un disque prometteur.

Avec une force qui rappelle Underoath pendant leur période  » Define The Great Line  » les cinq compères viennent se raccorder à une musique sensible et tapageuse. A travers des guitares saturées et une batterie épileptique, le chant entre rage et mélancolie est l’atout principal. Un timbre qui rappelle agréablement celui de Oliver Sykes (Bring me the Horizon) passant d’un clear sincère à un scream proche du travail de Jake Luhrs (August Burns red).

Des titres professionnels et cohérents, une mélodie intéressante, sensitive, atmosphérique. Surpris par  » Words Unspoken  » titre  réunissant les principes clés d’un retour à l’époque de  » When the Sun Sleeps « . Nostalgie et divagations adolescentes.
Si From the North s’approche parfois d’un métalcore un peu trop léché et gras, ce n’est que pour nous surprendre à nouveau.  Ils rebondissent sans cesse sur ce qu’ils savent faire de mieux : riffs entrainants, atmosphériques, départ pour la découverte des plaines de Sibérie. Un univers froid et désincarné, la beauté d’un espace interminable.

Surprenants, From the North méritent d’être suivis, modelés pour la scène et les sphères glacées.

Vous pouvez retrouver l’intégralité de Homeward en écoute libre !

Hera Laskri

Bring me the Horizon est un peu le groupe incontournable du milieu du metalcore. Après  4 albums et un son qui ne cesse de murir, le célèbre groupe anglais sort Sempiternal, un opus qui diverge pleinement des précédents bien qu’il  en rassemble les textures, émotions et styles. Comme le dit Jordan Fish, aux claviers « Notre but était de garder les meilleurs éléments, ceux qui faisaient l’identité du groupe, et en même temps nous emmener dans une nouvelle direction ».

Adieu hardcore saignant d’où ne s’échappe qu’un gargoullis infâme en guise de paroles ( qui se révèlent inventives si l’on a le courage d’aller les lire) et où les riffs de guitares sont si saturés qu’on peine à discerner une quelconque mélodie. Révolution musicale interne, Bring me the horizon ont a présent pour but de s’écarter du son d’un groupe de metalcore, qui « a tendance à toujours sonner de la même manière ». Trouver de nouveaux territoires, exploiter de nouvelles techniques, un nouveau public, mais aussi d’autres méthodes de travail.

Jordan : « La façon de travailler du groupe à changé, c’est moins d’improvisation pour créer. Nous voulions avoir des compos vraiment puissantes, que l’on puisse se dire qu’elles sont intenses. Nous souhaitions que cet album soit un tout cohérent pour que l’on puisse l’écouter en entier et qu’on en aime tout l’ensemble. Un peu comme une histoire qui aurait un début et une fin. »

Saluons donc un chant au summum de sa grâce (pour Oli en tout cas) à travers lequel on retrouve les émotions qui prenaient déjà naissance avec Suicide Season, extraite de l’album éponyme, avant de se répandre sur  » There is a hell, believe me I’ve seen it  » . Oli exprime  grâce à sa voix une manière d’appréhender la vie, tout en plongeant dans des paroles sombres pour en ressortir d’une manière positive.

On comprend donc que ce groupe a bien un cœur, en un pouvoir de déplacer les foules. Longtemps considérés comme un groupe à minettes méchées aux oreilles de chat et jeunes imberbes en slim-converses, Bring me the horizon s’inscrit dans le paysage d’un screamo parfois violent, aux breaks traitres et aux changements de rythmes surprenants. Bien plus qu’un grand succès, ils durent dans le temps, prouvant une suprématie face aux éphémérités du genre.

Si le premier extrait « Shadow Moses » semble renouer avec la saturation, le jeu est calmé lorsqu’on entend les premières notes de « And the snakes starts to sing ».

Jordan : « Shadow Moses était le titre le plus similaire à l’ancien album, il facilitait bien le passage de travail vers Sempiternal. »

Influencés par des groupes assemblant électronique et musique puissante comme Linkin Park et Deftones, les cinq garçons nous offrent un album au fort challenge, aux poussières atmosphériques et mélodieuses. Loin de certaines influences douteuses dont ils peuvent faire preuve.

Jordan : « J’aime un morceau de Justin Bieber (du moment que vous m’aimez toujours, ça va… ) peu importe si ça ne le fait pas, j’assume aimer un morceau, la plupart de ses morceaux craignent, mais j’en trouve un bien. »

Et jamais pareille musique n’était sortie de leurs instruments : Une intro au synthé et de la reverb, une batterie lointaine et profonde, une voix d’une sensibilité qu’on ne lui connaissait pas. Digne d’une ballade, on voit que les anglais entrent sur un terrain neuf. Le mélange fonctionne, assure un album équilibré, permet de s’évader d’un son trop rock et tapageur. Tout mixer, telle est la recette de Bring me the horizon. Sans peur de perdre leurs fans de la première heure, donnant audacieusement du fil à retordre à un public habitué au métal, emmenant le groupe vers un niveau supérieur, plus mélodique, changeant.

« Je pense que si tu te préoccupes trop de plaire à tes fans, tu risques de faire un album merdique et ennuyeux. Il n’y avait pas d’intérêt à refaire le même album. Tous les membres du groupe voulaient marquer une rupture avec le précédent. Et une fois qu’on a crée Can You Feel My Heart, on s’est dit que ça allait être super. Ca sonnait comme rien de ce que l’on connaissait, et c’est ce qui nous plaisait. »

Humbles, excités par les scènes qui approchent (Le Sonisphère d’Amneville en juin et une tournée au programme) le groupe entre dans un genre loin des sentiers battus, tout en sachant se renouveler avec passion. On peut dire que Sempiternal est réellement l’album le plus abouti de Bring me the horizon.

 Propos recueillis par Héra Laskri et Jefferson Grégoire.